Seung-Hwan Oh, artiste sud coréen, a étudié le cinéma et la photographie au Hunter College de New York de 1992-1995. Il vit et travaille aujourd’hui entre Arles et Séoul, sa ville d’origine. Dans son travail, Seung-Hwan Oh explore « l’impermanence de la matière ainsi que les limitations matérielles de la photographie ». L’impermanence ? l’artiste a commencé à travailler sur ce sujet - et la série éponyme - après avoir lu en 2010 un article de la BBC au sujet des bactéries qui menaçaient de détruire des archives de films historiques. Suite à cette découverte en 2012 il commence alors la mise en œuvre de la croissance microbienne sur ses images.

 

L’artiste, qui s'interroge sur les notions de périssable, de temporalité et de changement, fait donc de la dégradation et des altérations de la matière un outil artistique à part entière, un médium qu’il met à profit, laissant agir les bactéries sur et dans l’image, avec pour conséquence, au premier regard, un trouble visuel.. Il nous offre alors une réflexion très profonde et philosophique qui évoque tout à la fois et sans nul doute les concepts de vanité, memento mori, mais encore de wabi-sabi. 

 

Impermanence Untitled et Impermanence Unknown, deux séries distinctes bien qu’intrinsèquement reliées, résonnent particulièrement bien avec nos questionnements sur les notions du visible et de l’invisible dans l’art, leurs complexités, leurs nuances.

 

Impermanence Untitled est constituée uniquement de portraits dont les visages ont été partiellement, voire totalement rongés par les bactéries. Impermanence Unknown quant à elle, se concentre sur les corps, uniquement, et non plus les visages. Différence manifeste.  

 

L’ensemble des tirages regroupe néanmoins des similitudes telles que les tâches de couleur à l’aspect presque huileux, voire aqueux, parfois des circonvolutions organiques, volutes et entrelacs, qui masquent plus ou moins les visages et les corps présents sur les photographies originelles. Ils donnent une impression d’une disparition de la figure, sensation presque mystique, comme si les corps s'évaporaient dans un nuage de fumée. Il y a cependant un doute qui subsiste. Un doute qui peut, dans un premier temps, nous amener à penser que les corps sont en train de s’absenter, ou à l’inverse en train d'apparaître, de se générer lentement, laissant place à un corps mutant.  

 

Avant d’indiquer par quels moyens l’artiste obtient ces effets pour le moins spéciaux, il est important de constater que dans les deux cas, les images, bien qu’elles soient le résultat du même procédé plastique, sont chacune totalement uniques. Aucune ne ressemble à une autre. Elles ont chacune développé leur propre esthétique, leurs propres nuances colorées. Nous pourrions parler d’une transformation achéiropoïète, autrement dit qui ne serait pas produite par la main de l'homme, quoi qu’ici non surnaturelle puisque l’artiste lui-même introduit la bactérie (des champignons). L’altération - après introduction - se fait de manière totalement libre et aléatoire, jusqu’à ce que l’artiste intervienne pour la stopper. Le champignon, l’autre vivant, devient le co-créateur. Les espaces et les temps (de l’artiste, des champignons) se tressent. 

 

Il semble pertinent de se pencher sur l’une des images en particulier afin d’aller encore plus loin dans nos observations et notre analyse : Impermanence Untitled (Monamour). Il s’agit d’un portrait réalisé en 2012. Mais il s’agit plus spécifiquement d’un des premiers portraits qu’il ait trouvé satisfaisant, ce qui lui confère  une place singulière. Suffisamment pour faire œuvre et continuer. 

 

C’est l’une des images ayant les couleurs les plus vives. Même s’il nous est impossible de distinguer le visage du modèle, ni de savoir si l’artiste voulait faire une référence, le vert de ses cheveux et le rose fuchsia presque violet de sa veste peuvent nous rappeler le personnage emblématique de l’univers de Batman : Le Joker, personnage de fiction inspiré par le bien réel tueur en série John Wayne Gacy, et comme on le sait par le contexte social, politique et économique du milieu du XXe siècle. Hypothèse bien sûr ! Car la figure n’est pas assez présente, dans le visible, pour nous le confirmer. Nous ne pouvons que spéculer sur l’identité du personnage sans pouvoir formellement l'identifier. 

 

Une référence au Portrait de Dorian Gray pourrait encore être faite, d’autant plus que dans le roman d’Oscar Wilde, le portrait capture un temps révolu. Après avoir vendu son  âme au diable dans le but de rester éternellement jeune et beau, Dorian voit peu à peu son portrait sombrer dans l’horreur. En effet, la mauvaise influence de son ami le poussa à commettre d'innombrables péchés, ceux-ci se mirent à transparaître sur la toile, rendant ainsi son portrait - auparavant parfait - de plus en plus hideux. Lorsqu’il est révélé au public, le visage du modèle est devenu totalement méconnaissable. C’est l'incarnation de la beauté humaine absorbée par le temps. Cependant il est question d’une nouvelle relation entre l’existence et la temporalité ou la quête de la beauté éternelle se répercute de manière dramatique sur le portrait. Cette conséquence fait alors écho au memento mori et aux Vanités européennes, qui nous rappellent que rien n’est permanent, que tout fuit, inéluctablement. Leçon sur la précarité de l’existence. La vie, elle, continue. 

 

Pour la série Impermanence Untitled, l’artiste nous parle de destruction. Il stoppe effectivement le processus quand la figure est, d’après lui, assez « détruite ». L’altération déforme la figure qui change d’aspect, et devient plus monstrueuse qu'humaine. Cependant cet aspect monstrueux de la transfiguration peut aussi être dû à un hasard de la nature, une volonté cachée, invisible mais qui pourtant aurait réussi à prendre le dessus. Ainsi pourrait-on établir un autre lien avec une référence littéraire célèbre : L’étrange cas de Dr Jekyll et de Mr Hyde. Dans ce cas, le docteur Jekyll voulant séparer le bon côté de sa personnalité du mauvais, se retrouve effacé/absorbé par son monstrueux double Mister Hyde. « Hyde », homophone de « hide », signifiant en anglais « dissimulé ». Nous pouvons alors nous dire que la partie cachée de la figure - et donc invisible - aurait réussi à surgir dans le visible, rendant alors invisible ce qui auparavant l’était. Les rôles sont alors inversés, nous ne pouvons plus voir la forme humaine du portrait, mais seulement le monstre revenu à la surface visible par le biais de l’altération de l'image : « la forme, c’est le fond qui remonte à la surface » (V. Hugo).

 

Ces portraits déconstruits, défigurés, peuvent également nous renvoyer aux figures de Francis Bacon. Le peintre utilise la défiguration, la distorsion pour révéler la force vitale du sujet, une force invisible qui se révèle par le figural, c’est-à-dire « l’expression d’une réalité en excès » (G.Deleuze). En captant ces forces par la déformation, l’artiste la rend visible. Par le biais de l’altération est alors révélée une vérité autrefois dissimulée par le figuratif. 

 

L’intervention microbienne dans la transformation peut aussi nous évoquer la philosophie taoïste suivante : « la vérité est dans le retour à la nature », et le concept esthétique wabi-sabi, qui s’en inspire. « Le wabi fait référence à la plénitude que l’on éprouve face aux phénomènes naturels, et le sabi, la sensation face aux choses dans lesquelles on peut déceler le travail du temps ou des hommes ». Ce concept esthétique correspond au procédé utilisé par l’artiste. En effet, la nature et l’artiste s’allient pour créer cette déformation. C’est le phénomène naturel qui agit sur les différentes images, et c’est l’homme qui intervient pour arrêter le procédé. Le champignon est co-créateur. Il crée un corps hybride, des motifs nouveaux, entre le corps augmenté et le corps décoré. Le champignon, un vivant peu visible ou in-visible à l'œil nu, qui habite l’image et qui est rendu visible par ce qu’il fait apparaître sur celle-ci. Laissant la nature agir sur les tirages, la part invisible qui était dissimulée dans l’image, par le figuratif, se laisse deviner, grâce à ce corps vivant qui le révèle.
 

Pour continuer sur/dans notre voie/quête de l’« in-visible » évoquons Impermanence Unknown, réalisée en 2017. Encore une fois nous avons à faire à des images toujours très colorées, bien qu’elles apparaissent cette fois moins vives, légèrement plus délavées, comme si l'artiste avait utilisé de l'aquarelle sur ses photographies. Nous pourrions comparer cela à des lavis, technique picturale dont nous connaissons bien les usages en Chine, associant les encres, noires ou de couleurs, et l’eau dont les effets de porosité, d’absorption, de transparence, pourraient symboliser la lente dégradation de la nature montrant l’inévitabilité furtive du changement. 

 

Les variations de couleurs et les nuances de matière des lavis peuvent aussi évoquer les chakras, autrement dit le déplacement des énergies et fluides dans le corps. On considère que ce sont des centres par lesquels l'énergie vitale circule au sein du corps humain et en dehors. Ils servent de lien entre la partie spirituelle de l'homme (la conscience provenant de l'âme) et ses corps (physiques et subtils). Les couleurs peuvent également rappeler « le renouvellement annuel de la nature au printemps (..) et le cours ascendant de l’évolution biologique ». La représentation du corps féminin ramène instantanément à l’idée de Nature, Terre-Mère, Gaïa, Pachamama. Dans cette mesure nous pourrions penser que l’altération ne vient pas effacer son sujet, mais au contraire, en dévoiler sa véritable essence. 
 

L’apparence marbrée du lavis soulève d’autres références. Les vertus du marbre sont en effet la protection, l’ancrage. Selon les lithothérapeutes, il diffuse une énergie douce qui dissout la tristesse et les peurs et apporte de la force et du soutien : métaphore de la mère, encore. Dans la même idée nous pouvons aussi penser au papier marbré, lui même trouvant son origine d’abord au Japon avec le suminagashi, ancêtre de la marbrure, ou encore aux tranches d'agates, dont les propriétés spirituelles peuvent agir sur la chance et encore l’ancrage. Ses propriétés ? L’équilibre physique, émotionnel et intellectuel. Elle permet à celles et ceux qui la portent de pallier tout type de blocage énergétique. 
 

Si elles nous font penser aux pierres précieuses, à des formations microscopiques, ces marbrures nous font aussi penser à des formations macroscopiques. En effet ces couleurs vives et ces éclats nous amènent à une inévitable comparaison avec les phénomènes célestes, galaxies, nébuleuses, entre autres. Taoïsme, à nouveau. Cette philosophie s’intéresse à la relation entre les plans macrocosmiques et microcosmiques de l’existence, considérant le macrocosme comme l’univers et le microcosme comme notre existence individuelle. Selon les mythes, le microcosme qu’est le corps humain reproduirait la totalité de l’univers. Le lien entre le corps humain et les éléments célestes - l’univers - est alors évident, comme dans les images d'Impermanence Unknown. 
 

Les images, déclencheurs mnésiques et esthétiques, nous renvoient encore à une problématique d’actualité : l’impact du monde virtuel sur notre perception du réel. Effectivement, le fait que l’image soit déformée pourrait fonctionner comme message concernant notre époque où les réseaux sociaux forgent l’image que nous nous faisons sur nous-même, sur notre propre corps. Une vision biaisée, Internet n’étant vision tronquée de la réalité, filtrée. Sa série Impermanence Unknown pourrait comporter une dimension critique. 

 

En somme, l'œuvre Impermanence, de Seung-Hwan Oh, mêle photographie et biologie. La transformation par la croissance microbienne vient-elle effacer ou dévoiler le sujet ? La nature fait disparaître l’humain, être éphémère, capturé par la photographie. Elle nous rappelle l’inévitable furtivité du changement. L’artiste laisse la nature dégrader le sujet, il la laisse agir sur l’humanité. Peut-être vient-elle révéler la vérité ? L’altération lève le voile du visible pour découvrir ce qui se cache sous cette surface. Un voile invisible que l’on porte tous les jours, dans notre société modernisée et virtualisée. En détruisant ces images par la propagation du champignon, l'artiste s’est inspiré de l’entropie, dont le sens littéral signifie « action de se transformer », on peut en observer son double sens : la dégradation de l’énergie, ici de l’image, ou de l’humain, ainsi que la croissance du désordre « le chaos qu’on cultive ne fait que croître ». La déformation représente-t-elle la force vitale, force invisible, le cri de la souffrance de l’humanité, qui tend vers sa perte ? L’humain est présenté entre disparition et apparition. Entre visible et invisible. La nature pourrait venir révéler notre véritable identité, faire réapparaître notre nature humaine, devenue invisible. Complexité du monde et de l’existence…